"Sonic Highways": um álbum menor do Foo Fighters

Créditos: foofightersbr.com / reprodução

Após muita pompa e expectativa, é inegável alguma decepção após escutar as 8 faixas de Sonic Highways, oitavo álbum de trabalho do Foo Fighters. O cd está umbilicalmente ligado ao documentário de mesmo nome e isso pode explicar bem o porquê do CD ter desapontado. Inclusive as letras das músicas, muitas delas são compostas por trechos das entrevistas do próprio filme.

Este processo de gravar cada música em uma cidade é interessante, mas funciona muito mais para o documentário (que é MUITO legal) do que para o álbum. Parece que o trabalho foi feito/finalizado às pressas, muitas músicas com uma audição mais atenta e paciente, talvez não chegariam na mixagem. 

Por exemplo, I Am the River é bonita, mas é cansativa, se prolonga demais, erro que já cometeram antes. Já Something from Nothing tem o mérito de inovar na estrutura (e o demérito de plagiar o riff de Holy Diver, do Dio), com o refrão só entrando aos 3'30'', mas é inferior a qualquer primeiro single que a banda já lançou, algo que sempre fizeram bem (Rope, The Pretender, Best of You, All My Life, Learn to Fly, Monkey Wrench e This is a Call). The Feast and the Famine também agrada pelo espírito punk. A que melhor desceu foi What Did I Do, God as My Witness, que se difere um pouco das demais.

Já as músicas Outside e In the Clear pouco acrescentam e Subterranean, aborrece. 

A impressão que fica é de um trabalho preguiçoso. Sem o mesmo ímpeto e energia do ótimo Wasting Light (2011) que está anos-luz à frente. Aliás, esta não é nem uma crítica a um trabalho hum, mais "contemplativo" do grupo, pois o subestimado Echoes, Silence, Paticience & Grace (2007) é digno de aplauso, ao menos neste espaço.

Participações especiais reforçam que o disco parece uma trilha sonora do documentário, até porque os próprios músicos convidados (muito bons, por sinal), tiveram tímidas presenças. Parece que estavam ali apenas para “fazer média” e ressaltar a participação em cada música, de um músico de alguma cidade, endossando a ideia do filme. Mas fazem pouquíssima diferença, uma pena. A impressão é de que a música ficou em segundo plano. Se o Dave Grohl achasse mais duas cidades pro documentário, o CD teria dez faixas. Parece que o álbum não foi o cerne do planejamento.

Na discografia da banda, este novo álbum só não é inferior ao One By One (2002). Mas este, possuía dois hits instantâneos (All My Life e Times Like These). Sonic Highways não possui nenhuma canção deste quilate. Algumas são interessantes, mas que não empolgam ou emocionam, como deveriam.

Sonic Highways não chega a ser ruim. Ele é apenas medíocre e só não estará fadado ao esquecimento, por causa do documentário, que é impressionante. O disco é o filho mais feio, que a gente tem o mesmo apreço, mas que chama menos a atenção que o bonito, o filme.

Assista ao videoclipe de Something from Nothing:

Boyhood - o longo filme que acabou cedo demais

Reprodução / mrcsays.com

Se você se ausentou do burburinho, resumirei em poucas linhas: esse filme demorou 12 anos para ser feito, com o mesmo elenco. Retrata o crescimento de uma família, focado no garoto Mason, dos 6 aos 18 anos de idade. Só isso, já faria o filme ser imperdível, pois ele já é lançado sendo um vencedor, ultrapassando incertezas do mercado, de financiamentos e até mesmo de o elenco e o roteiro continuaram em pé. E estão lá.

Para um filme que demorou esse tempo, filmando 3 ou 4 dias por ano, ele ter 2 horas e 45 minutos de duração é muito pouco. É claro que é um filme um pouco longo para os padrões de Hollywood, mas quando você o assiste, percebe-se que é pouco. Esse filme tinha que ser um seriado com no mínimo 12 temporadas, ele te arrebata fácil.

Só as referências pop já valem assistir Boyhood (2014), em cartaz nos cinemas (com distribuição ainda pequena). A trilha sonora é matadora e segue o cronograma. Começa ali com Coldplay (do primeiro álbum) e Hives (hit antigão). E tem Wilco, Paul McCartney, Bob Dylan, Arcade Fire, Flaming Lips, Vampire Weekend, dentre várias outras pérolas. A cena do pai criar o "Black Album" dos Beatles pode parecer boba (com uma coletânea dos trabalhos solo após o fim do "Fab Four"), mas funciona. A cena no cinturão bíblico, no qual Mason é apresentado para a Bíblia e para as armas é impagável, mas os spoilers param por aqui. É real, é um retrato do país e de muitas famílias.

O grande mérito é você perceber que o trabalho começou a ser filmado em 2003, então um retrato da política (campanhas do Obama), a tecnologia, a moda e os hábitos daquela época. Você se enxerga. O primeiro iPod, a troca dos celulares analógicos pelos smartphones, das TVs de tubo pelas atuais... Ao mesmo tempo algumas coisas não mudam: as mentiras, as desculpas para ir para uma festa e chegar mais tarde, o truque do chiclete após fumar, o embaraço em ser adolescente e ter que ouvir sobre sexo. O filme é delicioso, porque pais, mães e filhos se retratam a todo momento. É atemporal.

São problemas reais que acompanham a família, da mesma forma que nos acompanham. O cinema tem o mérito de criar um mundo à parte no qual somos inseridos e nosso deleite é estar fora da nossa rotina por cerca de 2 horas. Boyhood é exatamente o oposto: é resgatar tudo o que vivemos: os dramas, as brigas, os vícios, as alegrias de uma família como qualquer outra, que guarda grande semelhanças com qualquer família de classe média mundo afora.

Sei lá se vai ganhar o Oscar, pois não é um filme tecnicamente irretocável e não ostenta orçamentos majestosos, nem mesmo para caprichar no lobby para angariar votos. Mas é um filme que emociona, que assim que acaba, você lamenta por chegar ao fim.

Pode não ser o melhor filme do ano, mas é uma obra que dificilmente você vai esquecer. Um pequeno clássico de 165 minutos.

Assista ao trailer:

Linkin Park e Panic! agradam público em Brasília

(Créditos: Rômulo Juracy / Esp.CB/D.A. Press)

As escolhas de Linkin Park e Panic! at the Disco como principais atrações na edição brasiliense do Circuito Banco do Brasil foi conectada com os anseios do público... De 2005. Mesmo com quase dez anos de atraso, a expectativa e o saudosismo, elementos fundamentais na vida de todo roqueiro, moveram milhares de pessoas (algo entre 20 mil e 30 mil pessoas, no meu olhômetro que nunca acerta) para o estacionamento do Mané Garrincha.

Não tive paciência para aguentar a Plebe Rude (somada por Dado e Bonfá). O calor era implacável e quis preservar minha saúde física e mental. Cheguei pra ver o Skank, que mesmo sem lançar um álbum relevante nos últimos dez anos, fez um show sensacional, mesclando a quantidade (bem generosa) de hits com algumas músicas (muito boas) do recente trabalho. Banda afiada, ensaiada, um dos melhores shows do pop rock nacional sem a menor sombra de dúvidas.

O Panic! at the Disco está longe de ser minha banda predileta desse nicho (pop punk, emo, nomeie como quiser), mas fui curioso para conferir alguma música do excelente Pretty Odd (segundo disco dos caras), álbum com clara influência beatle, bem diferente dos demais. Inclusive a banda "rachou" após deste lançamento, dois integrantes saíram e o grupo resolveu voltar ao som do primeiro cd. E hoje ela está nesse estilo (inclusive nos dois recentes trabalhos), que não me interessam muito. Gostei da dobradinha Nine in the Afternoon (desde álbum que falei) / Bohemian Rhapsody (do Queen) e a saideira, o primeiro hit do grupo, I Write Sins Not Tragedies.

Já o Linkin Park também está longe de ser meu grupo predileto do new metal, apesar de eu ter declarado que gostei do recente trabalho dos caras The Hunting Party (2014), algo que motivou a sofrer bullying diário nas redes sociais e na rua. O show foi melhor do que o anterior que conferi, no festival SWU (em 2010), quando eles estavam em uma fase chatinha, divulgando o hum, "climático" A Thousand Suns. O miolo da apresentação caiu bastante exatamente por resgatarem esse clima, mas os hits dos primeiros álbuns e do meu predileto, o Minutes to Midnight (2007) no início e final do show, animaram (em muito) o público, que cerca de 80% estava lá por eles. E sim, as músicas do (bom) álbum lançado neste ano, funcionam bem no palco (mais bullying por aí haha).

A organização foi excelente, só achei que R$ 8 por uma latinha de cerveja e R$ 5 na água ficou um pouco salgado para um festival que deixou um doce sorriso nos fãs de várias gerações. Aguardamos as próximas edições.

E o Maroon 5 virou Maroon 1...

Reprodução / wikipedia.org

 

Não tenho nada contra a música pop. Aliás, gosto de muita coisa que é pop. Não me importo se uma banda começou a carreira tocando um determinado estilo e alterou, por motivos pessoais ou comerciais (claro, quando era moleque e ouvia punk rock e new metal, minha opinião não era muito essa).

Se a banda ficou mais pop, foi por opção dela. Agora, se a banda fazia música boa e muda o estilo e fica pior, é claro que posso ser o saudosista chato e dar meus pitacos.

E isso ocorreu com Maroon 5, no novo álbum, V. Aliás, isso começou já há alguns anos, no álbum Hands All Over, graças ao hit "Moves Like Jagger" (que sim, é uma canção pop boa, pegajosa). Mas isso não quer dizer que dá para acertar sempre.

Nos dois primeiros álbuns, era um Maroon 5 de fato, com cinco integrantes: você ouvia uma banda de pop rock talentosa, com os músicos flertando por diversos estilos com propriedade. Pariram grandes canções como "Sunday Morning", "This Love", "Makes Me Wonder", "Won't Go Home Without You" e muitas outras.

Nesse novo álbum, parece um trabalho solo do vocalista Adam Levine, que em muitas passagens, é acompanhado por algo que poderia funcionar apertando um mísero botão. Não percebe-se uma banda, com seus timbres, arranjos e sim, algo pré-programado, como uma artista pop, um Justin Timberlake, por exemplo. Mas o pop que eles fazem não é ainda o pop do Timberlake. Está a caminho, mas ainda precisa melhorar...

Neste trabalho, ainda ouço boas músicas e belos refrões como em "Animals", "Coming Back to You" e "Sugar". "It Always You" começa promissora e entra o 'batidão'. Em muitas passagens, está presente a bateria eletrônica como em "In Your Pocket". Em "New Love" a mesma coisa. Cadê a banda? Mesma pergunto faço em "Feelings", repleta de falsetes e em "Shoot Love" (maaais programações e maaaaais falsetes).

"My Heart Is Open" é uma balada do Maroon 5 antigo (com a Gwen Stefani), aprovada (piano de cauda, este blogueiro chato gosta; mas o refrão poderia ser melhor). Outro exemplo da "banda antiga" é a boazinha "Sex and Candy": confesso que bateu saudade de ouvir bateria de verdade, guitarra (!!), o som que acostumei a escutar deles...

A impressão que fica é que o antigo Maroon 5, hoje legitimado como um "Maroon 6", está pagando muito bem 5 integrantes para ficarem satisfeitos e tocarem pouco, pois a banda está mais para "Maroon 1" (Adam Levine e a infinidade de produtores que guiam este trabalho).

Não é um disco ruim, não mesmo. Mas está bem distante do que a banda soube fazer de melhor. É provável que insistam nesses "atalhos do mercado" e vão se dar bem (aliás, já estavam bem antes deste cd).

Mas o chato aqui, vai sempre reclamar, pois eles já foram bem melhores. Aguentem.

Assista ao videoclipe de "Maps", primeiro single deste novo trabalho.

Surpreendente, empolgante e insinuante: saiu um dos melhores discos de 2014

goindeepmusic.com / Reprodução

Até mês passado, não fazia a menor ideia que essa banda, que surgiu em 1993, existia. Sério. Se chama Spoon. Baixei o novo álbum, They Want My Soul, que é o oitavo (!!) trabalho deles. Peço desculpas públicas por ter ignorado os sete rebentos anteriores.

A justiça tarda mas não falha. Com flertes de Afghan Whigs e Primal Scream, o Spoon mistura um pop cheio de climas, sutilezas, teclados, com o bom rock, de riffs simples e cativantes. O resultado é uma música de grande qualidade, muitas vezes dançante, ora introspectiva, mas que sempre empolga.

Faz tempo que não ouço um álbum com tantos hits em potencial. E músicas de fato, boas. Não vou me alongar tanto, melhor do que ler estas mal resumidas linhas, é escutar essa preciosidade.

Se você gosta de indie rock, pop rock, rock inglês, se cresceu ouvindo boas melodias, refrão legal, aquela guitarra com timbres legais, piano e vocal marcantes, não perca mais o seu tempo. Eu já perdi demais e tento recuperar.

Não há muito o que dizer... Aí abaixo, o álbum inteiro para audição. Reserve alguns minutos e divirta-se.

"Velocia" é irregular, mas aponta o melhor caminho para o Skank

Reprodução / skank.uol.com.br

Há pouco foi lançado Velocia, nono álbum de inéditas do Skank. O trabalho flerta um pouco mais com o reggae da fase noventista, mas ainda reflete uma banda indecisa, perdida e sem querer ousar tanto, que nos últimos dez anos lançou bons singles, porém álbuns bem irregulares. E Velocia não foge desta regra.

O trabalho apresenta algumas participações: Lia Paris, dispensável na chatíssima Aniversário; Nando Reis, parceiro de composições de longa data do grupo, que não compromete na faixa de abertura e na razoável Galápagos e B Negão, que deixa seu recado na bela Multidão.

No restante do trabalho, é uma montanha russa, como foram os anteriores Carrossel (2006) e Estandarte (2008), contrastes a cada faixa. Do Mesmo Jeito (parceria com Lucas Silveira, do Fresno) convence, empolga e tem cara de hit, já Rio Beautiful (com Emicida) é absolutamente descartável. Às vezes, as contradições estão dentro da mesma canção: Esquecimento começa linda, com bela letra e arranjos orquestrados e depois se perde. Já Alexia é sobre futebol e tem clara influência de Jorge Benjor, o que quer dizer: é a banda se sentindo em casa.

(Aliás, um parágrafo à parte: tenho uma birra pessoal sempre que algum artista tenta mesclar idiomas diferentes, me parece sempre uma vã tentativa de soar 'cool', quando na verdade revela em algumas vezes uma pobreza na construção da própria canção, em não conseguir encaixar alguma palavra na própria língua. Não sei quando esse trauma começou, acho que foi com os Tribalistas - aliás, quase todos os males da música brasileira eu faço referência a este nefasto projeto - , ou com a Marisa Monte - cantora que admiro e respeito (apesar d'os Tribalistas) - com aquela horrenda Amor I Love You. Então não me descem coisas como "Teu olhar é Rio Beautiful" ou mesmo "Manhã sem bonjour", admito que sou chato).

Périplo flerta com Supergrass e cai bem; A Noite faltam culhões, contundência, pra quem já compôs A Cerca e Rebelião, podia ter arriscado mais para sair do marasmo climático.

Quem diria, o disco é salvo pelo reggae: Tudo Isso (outra parceria com o rapper paulista), que encerra o trabalho, é deliciosa, simples e funcional. E Ela Me Deixou é a melhor, irresistível, mostrando que a verve jamaicana do grupo estava esquecida, mas permanece viva.

Fica o lamento de uma banda que possuía uma discografia irretocável até 2003, com os representativos e já clássicos Skank (1992), Calango (1994) e O Samba Poconé (1996), Siderado (1998), o corajoso e histórico Maquinarama (2000) e o maravilhoso Cosmotron (2003). Mas Velocia (2014) aponta para um resgate do que o grupo fez de melhor e este flerte se sobressai no trabalho. É a esperança de discos mais ensolarados daqui por diante. Vamos aguardar.

Videoclipe de Ela Me Deixou:

Linkin Park retorna com bem menos firulas

Rollingstone.com / Divulgação

Desnecessário teorizar o quanto o rock é/foi importante para a juventude. Quando eu era moleque, além dos clássicos, eu tive a sorte de ser guiado por bandas relevantes que surgiam e/ou estouravam na época: Green Day, Offspring, Blur, Oasis, Rage Against the Machine, Pearl Jam, Nirvana e por aí vai.

20 anos depois, o rock simplesmente definhou e essa molecada de 13, 14, 15 anos migrou para outros estilos musicais, relegando aos pais a árdua tarefa de levar o bastão do rock adiante (que expressão horrível, mas vocês entenderam).

Aí ouço o novo disco do Linkin Park e aplaudo por ser uma tentativa de tentar (re)conquistar os moleques. É indiscutível que a banda não é um RATM, um System of a Down, um Incubus, nem mesmo um Korn (que entrou em parafuso por anos e parece que há pouco se reencontrou), e muito abaixo de um Deftones (muito melhor e alternativo/confuso para essa geração). Seu novo trabalho The Hunting Party é repleto de guitarras, sem aquelas climas chatos dos álbuns anteriores. Mesmo com produção luxuosa, prima pela simplicidade.

E isso é o que dá pra fazer. Linkin Park é um dos ícones de um gênero desnutrido, no qual tentam se reinventar ou simplesmente soarem “honestos”, pois estão milionários e não precisam provar mais nada para ninguém. A banda buscou a receita básica do rock, obviamente usando seus próprios ingredientes. É um álbum com mais guitarras de toda a discografia (e nem é pela presença dos guitarristas do Helmet, System of a Down e Rage Against the Machine no trabalho).

Nunca curti Linkin Park, considerava uma banda pré-fabricada, sustentada por auto tunes e pouco criativa. Aí veio o Minutes to Midnight, de 2007. Ok, o mérito é mais do produtor Rick Rubin, que abriu a trincheira para a banda soar interessante, flertando com o pop e fazendo músicas pegajosas e sim, boas. Mas era uma banda bem diferente que se apresentava. Aí o grupo se intensificou nessas 'modernices' e se perdeu nos trabalhos posteriores, fez um show chato no festival SWU (2010) e agora parece que acordaram.

O trabalho é direto, possui bons refrões, todos os ingredientes para um público jovem e ávido, remetendo aos primeiros álbuns do grupo, com alguns flertes claros. O adolescente que adormece dentro de mim acordou um pouquinho, deu uma espreguiçada, abriu um breve sorriso e logo pegou no sono. Para os que mantém a juventude mais viva, vai cair bem. E no estágio que o rock “jovem” se apresenta por estes dias, não está nada mal.

Para quem um dia já disse que o Linkin Park era uma boyband, lembro que ultimamente até boybands estão lançando discos interessantes, como muitos reconheceram no (pasmem) One Direction. Então, nestes dias tão estranhos, o trabalho tem sim algum mérito.  

A expectativa quase joga água no chope do Transmissor

Reprodução / miojoindie.com.br

Nos últimos 10 anos, a cena independente é assaltada por grandes nomes como o Violins de Goiânia, o Jair Naves de São Paulo, o Apanhador Só do Rio Grande do Sul e os mineiros do Transmissor.

O (talvez único) problema desta simpática e elogiada banda de BH são exatamente os gracejos, o feedback. Após os aclamadíssimos Sociedade do Crivo Mútuo (2009) e Nacional (2011) tenho a petulância de afirmar que o recente trabalho, De Lá Não Ando Só não supera os anteriores. Mas isso não é pouco, pois também não fica abaixo: corre sério risco de figurar entre os melhores de 2014. Culpa deles.

Não, a culpa não é deles. É nossa, da expectativa. Esta merda, esta desgraça que alimentamos sem até nos darmos conta. É inevitável, é um mal (des) necessário após dois álbuns tão bons. O novo trabalho passeia agradável, linear, com aquele rock climático, que não assusta ouvidos incautos e causa deleite nos já iniciados. Outro belo disco, lindo.

Assim que escutamos as primeiras faixas, a sensação é clara em praguejar contra o mercado, tudo e todos: por que uma banda como o Transmissor, com todos os predicados para estourar país fora, continua nos nichos? Infelizmente sabemos a resposta e torcemos por uma mudança na maré, que até agora não aponta, mas seguimos com fé.

Há lirismo, profundidade, essência e principalmente coesão, desde a 1ª faixa Queima o Sol até a belíssima Casa Branca, que encerra o trabalho e remete à aprazível região entre Nova Lima e Brumadinho, ali na Grande Belo Horizonte.

São três grandes álbuns, relativamente no mesmo nível, sobrevivendo a troca de integrantes, trabalhos paralelos e a ingrata safra do rock nacional, que é vistosa no underground, mas que ainda não chega a brotar no mainstream. Em Minas Gerais, o alfabeto da boa música começa no T e depois se reinicia. Portanto, escute-os. Pois a safra está para vingar. A qualquer momento.

Pode-se baixar ou escutar o álbum no site deles http://transmissor.tv

Neil Young pisa no freio autoral e decepciona

Esqueçam A Letter Home, 35º álbum de Neil Young. Por que? Pois ele ainda permanece lançando álbuns de inéditas sensacionais (o Psychedelic Pill de 2012 é  prova disso) e aqui ele caiu no canto da sereia do Jack White pra fazer um disco de covers, lo-fi. E ficou chato.

Jack White é louvável, um baita músico que o chamou no projeto, colaborou e o lançou. Mas essa ideia em soar "descolado", como se estivesse gravando em uma fita k-7 ou mesmo vinil é patética, por mais que os "puristas" aplaudem, pois não dá pra ouvir claramente as canções e pouco consegue acrescentar ao que já eram.

Ao final, soa como um bootleg. Regravando de forma tosca Dylan, Willie Nelson, Springsteeen e outros nomes clássicos da música americana, A Letter Home soa como uma homenagem de catálogo de alguém que precisava regravar seus ídolos/amigos e os fez por obrigação. Uma pena.

É despojado, é tosco, porém é verdadeiro. Recomendo apenas aos devotos fãs de Neil Young. Ninguém mais. Mas o canadense possui um saldo gigantesco, tá mais do que perdoado.

Coldplay pisa no freio e não esboça pressa em arrancar

É engraçada a marcação de muitas pessoas (não só da crítica) com o Coldplay. No início, reclamam que era arrastado e chorão. Depois, que ficou pop demais. Agora, certamente vão arrumar defeito em Ghost Stories, sexto álbum que chega hoje nas lojas.

E o Chris Martin dá motivos para reclamarem, mas calma, chegaremos lá.

Primeiro, uma certa defesa contra os críticos (não total). Parachutes, lá de 2000, é um álbum enxuto, certinho, com pérolas que retratam uma banda iniciante, que adora(va) Travis e queria ser alguém ali no cenário do pós-britpop, nada muito além.

Com a A Rush of Blood to the Head, as vendas dobraram mundo afora e os horizontes musicais do grupo se expandiram, mesmo sendo um álbum que brilhou mais pelos singles do que pelo conjunto.

Em X & Y veio a derrapada em virtude de uma produção exagerada com teclados e sintetizadores em excesso, acima de tudo e todos, como um "sintoma de Phil Spector em The Long and Winding Road dos Beatles". Fix You sempre será uma das mais belas músicas daquela década, o álbum tem seus méritos, mas no geral, não convence muito.

Aí mudam completamente a direção: o céu se abre, o sol aparece, luzes e muitas cores. O carnaval sonoro da banda entra na avenida, expandindo seus horizontes: Viva La Vida e Mylo Xyloto venderam muito, mas aquém dos anteriores (10 milhões e 8 milhões respectivamente, sendo que X & Y e  o A Rush... venderam 15 milhões cada). Não sei se a derrocada da indústria motivou, mas ao menos aqui no Brasil, o público cresceu nestes dos últimos trabalhos, mais plurais. E com hits magníficos e flertando descaradamente com o pop (principalmente no último trabalho).

O Coldplay ainda soava introspectivo em alguns momentos, mas escancarava sua música para um público maior. E agora pisaram no freio. Ghost Stories é fechado, com alguns breves acenos mais populares. Algumas vezes o álbum soa "lounge", mas reflete um momento de ruptura, talvez pelo fim do relacionamento do vocalista, que norteia o conceito do disco.

Rupturas amorosas geralmente se refletem na arte produzida. No caso do Coldplay, foi uma ruptura e tanto: eles voltaram a soar mais melancólicos e introspectivos, mas sem a mesma verve dos primeiros anos. Grande chance de ser o álbum que menos vai vender deles. Mas aí surge a pergunta. É bom?

Sim, mas cai no rol dos famosos "álbuns de transição" dos críticos, que seria algo como a "virose" para os médicos. Deve-se aguardar para saber aonde o Coldplay vai parar, para fomentar melhor uma identificação. Se é que vai parar em algum lugar. Neste momento, percebe-se um álbum climático, com muitas nuances eletrônicas e pouca bateria e guitarra.

Magic é uma bela música, mas contrasta com os singles alegres de outrora. A única tentativa de soar de forma festiva está em A Sky Full of Stars, mas que soa estranha, como se fosse uma música calma que foi remixada por uma rádio "para a noite, para a balada", coisa que a própria banda já sofreu inúmeras vezes. Mas dessa vez eles mesmos produziram, de forma proposital. A última, O, esta sim, remete aos primórdios do Coldplay: se é uma arrancada em marcha à ré para suas fraldas ou apenas um momento turbulento de seu líder, o tempo irá nos dizer.

Nas demais, as canções soam comportadas: Always in My Head é quase um lounge. Midnight, esta sim, é um lounge.  True Love e Ink são belas e meramente contemplativas. Another's arms é quase um trip hop.

Ao final, o álbum pode soar chato para os mais apressados. De fato, não será um trabalho de referência do grupo, um ícone da sua discografia, mas mesmo assim merece uma audição atenta. Mas não, não entra no top 3 deles, mas vale a pena escutar, sem pressa, palavra que não está no vocabulário do grupo, que concebeu este rebento em quase 3 anos. Portanto, recomenda-se parcimônia.

Assista abaixo ao videoclipe de Magic:

O novo Titãs é velho, mas vale como uma goteira no semiárido

Faça um breve exercício. Pegue as bandas de rock nacional dos anos 80. Quais continuam produzindo, gravando algo com regularidade e qualidade? Pois é, nenhuma. Barão Vermelho, Kid Abelha, Engenheiros do Hawaii, Ira! seguem em hiato. Algumas fazem breves retorno$ e logo somem. Legião Urbana é história. O Ultraje a Rigor se destaca mais pelos tweets de política do seu vocalista. E os Paralamas, não produzem algo memorável há uns 15 anos. Talvez isso explique porque o rock nacional, que andava fatigado nos dials acabou sumindo completamente.

Mas enfim, é outro papo. O débito dos Titãs é maior. Lembro claramente deles lançando Domingo e se apresentando no Faustão. Foi o último suspiro de criatividade da banda (avaliação que cresceu motivada pelos horrores que lançariam posteriormente). Veio o (belo) acústico, que fomentou nos caça-níqueis posteriores, que vou poupá-los dos adjetivos negativos: Volume 2 e As Dez Mais. Após esse período, discos autorais insossos, com talvez um single que valha a pena aqui e outro acolá (como Epitáfio e Isso). É pouco, bem pouco.

Nheengatu, o novo álbum me deixa em uma encruzilhada. Ao mesmo tempo que aplaudo um direcionamento mas ríspido, rock e contundente do grupo, sua própria história depõe contra. Uma banda que sim, contestou, bateu de frente e mandou o mundo às favas em Titanomaquia ou Cabeça Dinossauro é a mesma que fez discos bem contraditórios nos últimos anos, abrindo mão de convicções, história e pensando na grana. É do direito deles? Claro! Mas aí, fica difícil colar esse discurso de "protesto" do novo trabalho, parece apenas um adesivo no "case" de guitarra. Uma ocasião, um momento. Ou um roqueiro de boutique, que vive confortavelmente em bairro de classe média e posa de revoltado.

Nem entro no mérito de "senhores de idade querendo soar jovens", pois o rock não envelhece no espírito. Acho absolutamente louvável e natural bandas após muitos anos ainda quererem e/ou tentarem resgatar o som de outrora, pois isso ainda contribui para perpetuar o rock, que está cada vez mais segmentado e desnutrido. Ainda ouço os novos discos dos "dinossauros" e acho que ainda podem contribuir com a música. Esse papo de que música/protesto/atitude é pros jovens talvez cole melhor nos ícones pop, pois ali realmente a imagem conta até mais que a própria música. Não no rock.

Então, ouvir um disco de rock dos Titãs, resgatando a acidez e o discurso (com letras meramente medíocres, mas comparando com o que se faz hoje no rock nacional, soa como poesia floreada) é legal.
Mas para mim é um mero entretenimento, não me convence, não caio nesta cilada.

Mas ó, prefiro eles tentarem revisitar o passado e soando repetitivos do que inovarem e fazer lixo. Ao menos, há vigor no álbum, E ótimas guitarras. Temas espinhosos, fúria e cinco músicas legais: Fardado, Mensageiro da Desgraça, Chegada ao Brasil, Não Pode e Quem São os Animais? (esta, a melhor). Para um fã antigo, não surpreende. Mas pode despertar o gosto pelo rock nacional nas novas gerações, tão castigadas com os Detonautas da vida. Neste sentido, este trabalho presta um grande favor. Quem sabe eles tocam no "Exquenta" da Globo? Melhor uma banda de rock fazendo uma releitura do que já fez do que a mesmice dominical, certo?

Enfim, é um disco que leva nota máxima no intuito, no pálido resgate do que já fizeram e na válida tentativa de "manter a chama do rock acesa" (termo horroroso, mas enfim). Mas ao final, por tudo isso que já escrevi nestas linhas, que você está de parabéns em suportá-las, leva nota positiva, mas sem aclamação. Passaram de ano e fizeram um álbum digno. E só.

Mas os clássicos ainda são (e creio que sempre serão) insuperáveis. Mas tomara que a grande mídia os aceite de volta, agora. Seria de grande utilidade para o rock nacional não morrer (sem mais clichês, por favor).

John Frusciante faz contato com a Terra

Créditos: musictimes.com / Reprodução

Um ser absolutamente singular, que simplesmente distorce e ultrapassa os limites da música. Não há muito o que dizer sobre John Frusciante. Em poucas palavras, ele é louco. Sim, maluco, mas que muitas vezes usa isso em benefício próprio e em malefício também. Exemplos não faltam.

Um cara que ressurgiu das profundezas da década de 90, após um longo e sério abuso de várias drogas (ao ponto de descaracterizar seu braço, repleto de abscessos). O mesmo braço, que empunhou a guitarra do Red Hot Chili Peppers em cinco álbuns, sendo três deles absolutamente históricos (Blood Sugar Sex Magik e mais dois - ou três - que você escolhe).

A sua carreira solo começou em 1994 e entre álbuns que ele lançou pra sustentar o vício (Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt e Smile from the Streets You Hold) e outros simplesmente ótimos (como os três que lançou em 2004 - Shadows Collide With People, The Will to Death e Inside of Emptiness), ele sempre quis surpreender, provavelmente sem nenhuma intenção.

A bússola de Frusciante é o ar que respira, é o vento que sopra, nos ares de uma nítida sobriedade, como prova sua intensa produtividade. Após lançar um álbum e EP com forte influência hip hop e música eletrônica (PBX Funicular Intaglio Zone e Letut-Lefr, de 2012) e um EP absolutamente insano, psicodélico e indescritível (Outsides, de 2013), a única coisa que você espera ao ouvir um álbum dele é a surpresa. Pode vir de tudo: ruídos estranhos, viagens de efeitos sem nexo e fim, ou até singelas e maravilhosas canções pop, orientadas por voz e violão. Ele é imprevisível e usa deste artíficio como bem entende, sem ligar para crítica, mercado e fãs. Faz o que dá na telha.

E na telha do recém-lançado Enclosure (11º álbum, além de 6 EPs e inúmeros álbuns de parcerias) é um trabalho com muitas passagens de drum'n'bass. Mas do jeito do Frusciante ("Crowded" é um bom exemplo). E alguns trechos mais melódicas e sutis (mas ainda bem distante dos Chili Peppers), como "Stage" e (talvez) "Sleep", algo que ele não fazia há algum tempo. Colide com "Fanfare", mais uma de suas músicas incompreensíveis (ao menos se ouvinte estiver sóbrio). "Cinch" é outra loucura, contrastando com "Zone", mais palatável.

Perto dos seus últimos lançamentos, este CD é um passo em direção a algo mais convencional. Mas ainda um passo de astronauta, com toda a lentidão da gravidade zero. O caminho até a Terra ainda é longo e incerto. Enquanto isso, ele passeia pelo espaço, inclusive sendo lá mesmo onde este álbum acabou sendo lançado. Sintomático.

Stephen Malkmus, uma pérola e uma mera frase de efeito

Créditos: 505indie.com.br / Reprodução

Sério, não há muito o que dizer sobre Wig Out at Jagbags, novo rebento do Stephen Malkmus. Mais calmo e irresistível, o trabalho mantém as grandes melodias, as letras criatovas e a voz marcante. Típico trabalho clássico do "indie rock dos anos 90", mas sem o hype.
Em poucas palavras: a cada ótimo trabalho, ele se distancia da sombra da sua antiga banda Pavement (que era bem boa), com um trabalho solo (ok, com os Jicks) cada vez mais sólido e que já bate de frente com a sua ex-banda, se não ainda pela influência, mas pela quantidade de grandes canções.
Este novo álbum está cheio delas. Nem ouso destrinchá-las. Pare de ler e vá ouvir o melhor álbum de 2014 até agora (ok, o ano mal começou, mas a frase de efeito é irresistível).

As minúcias de Dylan

Créditos: Larousse / Divulgação

Em cerca de 700 páginas, No Direction Home é um prato cheio apenas para grandes fãs de Dylan. O livro de Robert Shelton (falecido em 1995) foi lançado na década de 80. Portanto, aí já começa um problema: o texto não aborda a polêmica fase de conversão religiosa do músico, na virada dos anos 70 para os 80, com suas turnês temáticas e álbuns contestados, assim como seu ressurgimento na década de 90, após escapar da morte. A narração vai até 1978, mais ou menos. Após isso, o livro faz um pequeno apanhado, que obviamente está longe de saciar a sede dos fãs.

O maior mérito e defeito do livro é a proximidade/cumplicidade do autor com Dylan. A obra é primorosa, até demais. Na primeira metade do livro, ele prolonga em diversas passagens, minúcias da criação do artista, da família, raízes, o que pode encantar um fã obcecado, mas ao mesmo tempo, torna a leitura cansativa. Na parte final, de 1964 a 1978, a obra esquenta, assim como a própria discografia de Dylan, compreendendo sua melhor fase e deixando a leitura bem mais interessante.

O foco está na relação do artista com sua época, em como ele revolucionou todos ao seu redor com sua música e poesia, em como ele foi atingido por isso e de que forma ele lidou nos anos posteriores.

A vida pessoal é pouco abordada, o foco do trabalho é em Dylan, como artista, músico e poeta.

É uma boa forma de compreender como o compositor mais influente da música popular do século XX enfrentou crises e cravou seu nome na história.

Mas sinceramente, em 400 páginas, tudo estaria perfeitamente descrito.

Meus pitacos: Bruce Springsteen - High Hopes (2014)

Crédito: wikipedia.com / Reprodução

O décimo oitavo álbum de Bruce Springsteen poderia surpreender ou causar alguma estranheza, exatamente por ser uma reunião de um material não aproveitado durante anos. Mas High Hopes demonstra que Bruce, ao lado da afiadíssima E Street Band e com participações especiais (como Tom Morello, em praticamente todo o álbum) trazem ao nostálgico trabalho, um aroma de novidade.

A faixa-título, com caprichado naipe de metais e Morello chamando a atenção (sem cansar) é perfeita para shows, cabendo facilmente a alcunha “sacolejante”. Já American Skin” (41 Shots) é outra de fácil digestão, candidata a hino, que não dá para crer como algo tão bom ficou tanto tempo na gaveta.

No resto do trabalho, o Boss acerta bem mais do que erra: Just Like Fire Would é um dos seus mais fiéis retratos; Frankie Fell in Love parece uma joia esquecida há 30 anos no estúdio; as baladas Hunter of Invisible Game e The Wall são belíssimas. Já The Ghost of Tom Joad retorna ainda melhor que a original, de 1995 (e obviamente, bem diferente da cover feita pelo Rage Against the Machine). Ironicamente, Morello, ex-RATM, divide as vozes com Bruce na canção.

A esperançosa Dream Baby Dream é indício de que High Hopes honra seu título. Enquanto tem artista que passa sufoco pra lançar um álbum, Bruce pegou as sobras dos últimos anos, requentou e as serviu como um majestoso banquete. Delicie-se.

Nota: 8

Confira o videoclipe de High Hopes:

Melhores de 2013

Como sempre, começo o ranking com o primeiro colocado que ficou fora do top 20. O Fall Out Boy voltou às origens e fez um ótimo EP de punk rock, garantindo a 21ª posição. Créditos: Island / Divulgação


Já são 13 anos fazendo esse ranking e não canso de me surpreender, ora com meu tradicionalismo, ora com minha ânsia pelas novidades que brotam. Foram cerca de 90 álbuns avaliados minuciosamente, um recorde.

Alguns favoritos não entraram, como Paul McCartney (26º), David Bowie (24º) e Vampire Weekend (25º). O Pearl Jam nem ficou entre os 35 melhores, já o guitarrista do grupo Stone Gossard, conseguiu uma posição surpreendente. Sem mais delongas, vamos ao ranking.

20º Maglore - Vamos pra Rua

Pop rock que faz muita falta nas rádios do país.

19º Justin Timberlake - The 20/20 Experience 2/2
17º Justin Timberlake - The 20/20 Experience 1/2

O rei do pop atual conseguiu colocar os 2 álbuns no ranking, mas por pouco não ficou de fora.

18º Daft Punk - Random Access Memories

O hype é absurdo, mas o álbum é muito bom, de fato.

16º Black Sabbath - 13

Digníssimo retorno do grupo de metal mais importante da história.

15º KT Tunstall - Invisible Empire / Crescent Moon

Surpreendente e delicadíssimo trabalho. Folk minucioso e belo.

14º Kings of Leon - Mechanical Bull

Nunca gostei da banda, então afirmo que o melhor e mais legal trabalho deles, fácil.

13º Galo Power - Lysergic Groove

Banda goiana que se embriaga forte no rock sessentista e desce bem.

12º Bixiga 70 - Bixiga 70

Grupo instrumental mais interessante do país hoje. Trabalho envolvente e delicioso.

11º Arctic Monkeys - A.M.

Mantendo o (ótimo) nível do álbum anterior.

10º Bruno Souto - Estado de Nuvem

Remete a muita coisa, desde a fase psicodélica de Ronnie Von até o rock atual. Bela surpresa.

9º Cage the Elephant - Melophobia

Trilhando um caminho singular, alternando músicas lindas, ora normais, ora insanas.

8º Ben Harper with Charlie Musselwhite - Get Up

Lindo, arrepiante e singelo.

7º  Stereophonics - Graffiti on the Train

Voltando aos grandes álbuns, Kelly Jones continua cantando demais.

6º Jamie Cullum - Momentum

Um pouco mais ousado e experimental, sem abrir mão da fórmula irresistível que o consagrou.

5º Queens of the Stone Age - ...Like Clockwork

Melhor álbum dos caras em 11 anos. Só isso.

4º Stone Gossard - Moonlander

Deixou sua banda principal no chinelo, com um CD irresistível.

3º John Mayer - Paradise Valley

Tomara que continue nesta vibe folk/country, muito melhor que a fase antiga. Torcemos.

2º Apanhador Só - Antes que Tu Conte Outra

Falei na resenha que "nascia o Radiohead dos trópicos", para o bem e para o mal que isso representa.

1º Eric Clapton - Old Sock

Revisitou grandes canções, colocou algumas novas, chamou uns amigos de responsa e fez um discão, misturando diversos estilos. Esse dueto com Paul McCartney é uma amostra.

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